La frontalità, la fissità e l’immobilità. Un istante sospeso, sottratto abilmente al flusso dell’esistenza, per mostrare un mistero a cui non prestiamo attenzione: la sfrontata evidenza delle cose, ma anche la loro metamorfica mutazione. Un mondo tanto evidente, limpido e cristallino da essere estenuante. Cose “Così” evidenti da sparire per paradosso l’attimo dopo, quando distogliamo lo sguardo e l’attenzione; Cuttitta ne fa un resoconto dettagliato, in un’enumerazione vertiginosa e esatta, per essere sicuro che anche quando non le guardiamo, le cose esistano ancora, e noi insieme a loro. Avviene in Sofia, acrilico del 2020, in cui oltre al soggetto femminile ritratto in un interno, compare un miniaturizzato autoritratto allo specchio (è l’appiglio dell’io che altrimenti rischia di perdersi)

Natura morta, è la seconda di una serie di dipinti che hanno come soggetto dei vasi con fiori recisi. Da osservatori siamo catapultati all’interno della scena, seduti al tavolo, di cui si scorge, nella parte inferiore del dipinto, il piano ingombro di oggetti quotidiani. La squadra, il compasso, la piccola lampada da tavolo bianca, la mascherina chirurgica azzurra, il portafoglio di pelle marrone, il posacenere etc. Il vaso al centro del tavolo è di porcellana bianca con graziosi motivi floreali verdi, rossi e blu; al di sopra dell’imboccatura: un’esplosione effimera e vivace. Si tratta di lunghi steli fioriti in forme fantastiche: aster verdi, anthurium bianchi e amaryllis rossi l’indicibile, misterioso linguaggio degli esseri vegetali. Il vaso ha come piedistallo un grosso tomo bianco, si tratta di “L’uomo senza quali- tà” di Musil, nell’edizione Einaudi. Il gusto del dettaglio, lo porta alla precisione del miniaturista, sia nel riprodurre fedelmente il logo della casa editrice, sia nelle scritte sulla carta geografica nello sfondo, e in una variegata serie di elementi: il disegno del tappeto sul pavimento, i titoli dei libri sul mobile basso, il dipinto appeso sopra di esso. Presentando in un’altra occasione il lavoro dell’artista, avevo notato che la postura utilizzata nella sua pittura è quella del “viaggiatore immobile” cioè colui che per superare i limiti della propria visione naturale utilizza la media- zione di una protesi per mettere a fuoco i dettagli più piccoli. Come nella soggettiva cinematografica, i suoi dipinti infatti non conoscono distanze, perché le hanno annullate grazie alla mediazione dell’artificio pittorico. Solo così riusciamo a leggere perfino i dettagli più piccoli, invisibili a occhio nudo. Che è come dire che il naturalismo è solo una trappola ben congegnata. In fin dei conti è questo che fa la pittura, gioca con lo spettatore e i suoi meccanismi percettivi, influenzandone l’idea che si è fatto del mondo.

In American Collectors at Tate Britain, un acrilico su tela di un metro e mezzo per due, Cuttitta dipinge un quadro nel quadro, una delle opere più famose dell’artista britannico David Hockney: American Collectors (Fred and Marcia Weisman) del 1968. Hockney nell’opera rende i due personaggi ritratti, oggetti tra gli oggetti collezionati. Tra le opere d’arte che appaiono nel dipinto, c’è infatti la scultura di William Turnbull che si frappone tra i Weisman. Hockney aveva dipinto anch’egli dunque un’opera nell’opera, e Cuttitta prosegue il gioco, ricontestualizzando il dipinto dell’artista britannico alla Tate Britain, inserendo un secondo doppio ritratto, questa volta di due visitatori seduti davanti al dipinto, mentre lo osservano in silenzio. Cose tra le cose, una vertigine.

Nota bene. Nel linguaggio cinematografico con il termine di soggettiva si definisce un’inquadratura che rappresenta sullo schermo ciò che vede un personaggio dal proprio punto di vista. Spesso è introdotta da un primo piano di colui che osserva e talvolta si conclude con il ritorno al primo piano.

Frontality, stasis, and immobility. A suspended moment, skillfully stolen from the flow of existence, to reveal a mystery we often overlook: the shameless obviousness of things, but also their metamorphic mutation. A world so evident, so clear and crystalline, it becomes exhausting. Things so “obvious” that they paradoxically vanish the very next instant, as soon as we avert our gaze or lose attention.

Cuttitta offers a detailed account, a dizzying and precise enumeration, as if to ensure that, even when we stop looking at them, things continue to exist, and we exist along with them.
This takes place in Sofia, an acrylic painting from 2020, where, beyond the female figure depicted in an interior, a miniature self-portrait of the artist appears in a mirror, an anchor for the self that might otherwise get lost.

Natura morta (Still Life) is the second in a series of paintings featuring vases filled with cut flowers. As viewers, we are catapulted into the scene, seated at the table, the surface of which, is clattered with everyday objects. A set square, a compass, a small white desk lamp, a light blue surgical mask, a brown leather wallet, an ashtray, and more.

At the center of the table stands a white porcelain vase with delicate green, red, and blue floral patterns. An ephemeral and lively explosion sprouts from its mouth: long-stemmed blossoms in fantastical shapes—green asters, white anthuriums, and red amaryllises—the ineffable, mysterious language of the vegetal world.

The vase rests on a thick white volume: Musil’s The Man Without Qualities, published by Einaudi.
Cuttitta’s taste for detail reaches miniaturist precision: faithfully reproducing the publisher’s logo, the lettering on the map in the background, and a varied series of elements—the pattern of the rug on the floor, the book titles on the low cabinet, the painting hanging above it.

In presenting the artist’s work on another occasion, I remarked that the posture adopted in his painting is that of a “motionless traveler”—someone who, to overcome the limits of natural vision, uses a prosthetic device to focus on the smallest details. As in a subjective cinematic shot, his paintings know no distance, having abolished it through the mediation of painterly artifice.

Only in this way can we perceive even the tiniest details, invisible to the naked eye.
Which is to say that naturalism is just a cleverly laid trap.
Ultimately,  this is what painting does: it plays with the viewer and their perceptual mechanisms, shaping their idea of the world.

In American Collectors at Tate Britain, a large-scale acrylic on canvas (1.5 x 2 meters), Cuttitta depicts a painting within a painting—one of the most famous works by British artist David Hockney: American Collectors (Fred and Marcia Weisman), 1968.

In that work, Hockney renders the two figures as objects among the objects they collect. Among the artworks visible in the painting is a sculpture by William Turnbull, positioned between the Weismans. Hockney, then, had already painted a work within a work—and Cuttitta continues the game: he recontextualizes the British artist’s painting inside the Tate Britain gallery, inserting a second double portrait—this time of two visitors seated in front of the painting, silently observing it. Things among things. A vertigo.

Note: In cinematic language, a subjective shot (or point-of-view shot) is a camera angle that shows what a character sees from their perspective. It is often introduced with a close-up of the character looking and sometimes concluded by returning to that close-up.

Francesco Cuttitta, Così, Exhibition views, 2023
Photo © Filippo M. Nicoletti. Curtesy L'Ascensore