GB: Drawing stage/ Disegni palco questa tua espressione mi ha fatto sempre pensare ad un’interpretazione poetica della necessità di spazio, fisico e mentale, che caratterizza l’artista nella sua ricerca, e spesso coincidendo con essa. L’aver presentato a L’Ascensore di Palermo un lavoro installativo facente parte della tua serie di Drawing Stage l’ho trovato in qualche modo un momento espositivo di sintesi di questo tuo progetto che dura nel tempo. Infatti L’Ascensore è un luogo dedicato agli artisti giovani, nazionali e internazionali, chiamati a presentare un lavoro e a sperimentare un’opera pensata per lo spazio. Così concepito dal 2015 dal fondatore Alberto Laganà, L’Ascensore è dal 2017 diretto dal duo artistico Genuardi/Ruta con i quali è nato un rapporto di collaborazione, in parte sviluppato immergendosi nella città di Palermo. E l’immersione nella città in qualche modo ha caratterizzato la genesi del tuo lavoro, dato che alla mostra hai anticipato un lungo periodo di residenza nel luogo.
Direi: quante trasformazioni! Il tuo tempo trascorso a Palermo ha trasformato il lavoro, fino a includere un materiale autoctono come il tufo, una pittura e una conga perché oggetti famigliari e addirittura un musicista, il percussionista palermitano Sergio “Guna” Cammalleri, noto per il suo modo di interpretare il ritmo come una questione visionaria, una fusione tra il jazz e le sonorità latine. I D/S dunque includono degli elementi come “figure semplici”, oggetti che come in un concerto di materiali diventano una “composizione complessa” per la messa in scena.
Così lo spazio de L’Ascensore è diventato un palco e tu un regista, attori gli oggetti come un riflesso di un paesaggio immobile.
Mi sembra che il lavoro si sia sviluppato anche attraverso l’incontro con il luogo e l’avvicinamento alle tue origini siciliane, destando delle novità.

DMM: Quando mi hai invitato a partecipare a quella che, svuotata da ogni esperienza, era semplicemente una mostra ho pensato che prolungare di un poco la mia permanenza in Sicilia mi avrebbe permesso di affrontare un lavoro nuovo o meglio un periodo di riflessione, preferibilmente slegato dai lavori che stavo facendo in quel periodo, non per una forma di stanchezza ma per un desiderio di raccoglimento diverso.
In seguito sono successe diverse cose, la prima è che Alberto Laganà ha accolto, con entusiasmo e spirito il mio desiderio, ospitandomi per un periodo più lungo dell’usuale; secondo poi, appena atterrato a Palermo e arrivato a destinazione, sono stato accolto dai Geruardi/Ruta che nel corso della mia permanenza hanno contribuito a riempire il senso quella che, dapprima semplice mostra, è diventata esperienza complessa, felice.
Il Drawing/stage è un progetto che è nato casualmente anni fa dalla volontà di dare una casa a tutto ciò che in me si confondeva o si sovrapponeva. Con il disegno palco invece gli elementi si giustappongono - come dici bene tu - in quello che possiamo chiamare una composizione.
In questo caso, come in altre occasioni, mi sono messo nella condizione di lavorare a partire da uno script, una forma di canovaccio di suggestioni brevi scene suggerite da uno sguardo all’intorno. Esemplare nei miei ricordi un materiale come il tufo - onnipresente nel paesaggio siciliano e una conga - uno strumento a me familiare e un dipinto.
La scelta della conga è relativa ad un mio paesaggio infatti questa fu fabbricata nella selva amazzone da mio padre nel '79 e dipinta successivamente a Cuzco dalle sue stesse mani, un oggetto presente fin dalla mia nascita nelle mia casa in Sicilia; così come il quadro, opera di una bravissima pittrice peruviana: Elena Candiotte, sempre "espropriato” dalla mia casa isolana.
La motivazione della scelta di questi “personaggi” viene probabilmente dalla familiarità che sento con questi oggetti, una confidenza che mi permette di gestirne il peso visivo. Inoltre entrambi sono  oggetti testimoni di una capacità, una pittorica e l’altra musicale, ambedue a me estranee ma dalle quali subisco un grande fascino.
Sono delle "felici incapacità" che mi permettono di concentrarmi sull’unica cosa che cerco dagli oggetti e materiali che uso: la loro forza scenica insieme, dentro il disegno palco.
Per la prima volta nei D/S ho sentito l’esigenza di attivare un meccanismo che diversamente sarebbe stato immobile. Mostrare un'immagine attiva, una delle suggestioni che mi muovono nella progettualità di un D/S, un paio di righe dello script per capirci. Penso sempre che quella parte sia un segreto da tenere esclusivamente per me ma nel processo di progettazione fatto anche con te, la curatrice della mostra, mi sono convinto che sarebbe stata una bella esperienza attivare il D/S perciò mi sono messo in contatto con Sergio “Guna” Cammelleri, percussionista visionario e capace che conosco da sempre, al quale ho affidato completamente la progettazione della performance che lui ha interpretato come meglio non potessi sperare. Unica mia scelta la sua posizione all’interno del Palco. Un po’ nascosto come tutto il resto.
La particolarità dei disegni palco penso sia un po’ il fatto che mi lasciano davanti un aperto, delle novità, o forse mettono al loro posto le parole che prima avevo confuse.
Un paradosso vedendo come sono intervenuto con il tufo. Non credi?

GB: Sì, perché in ciascun mattone di tufo hai inciso delle parole apparentemente confuse, ma estrapolate da un testo più ampio e intero derivante da un muro smembrato in un secondo momento. Le due strutture di tufo contornano la vetrina come a creare i lembi di una cortina aperta per la scena; sono un'eco degli scorci architettonici che caratterizzano via Principe di San Giuseppe.
E poi c’è il titolo “La bocca arsa” che in qualche modo entra a far parte della messa in scena, diventa esso stesso una “figura” che partecipa all’assetto complesso dell’opera. Sono parole precipitate nel D/S da un tuo testo poetico. Già perché la poesia è una tua cifra. Nel tuo lavoro, più che mai vengono in mente le parole di Charles Bukowski “la poesia dice troppo in pochissimo tempo”. Quanto è importante la poesia e il tempo nel tuo lavoro? Sono entrambi delle misure?

DMM: In effetti ho trascritto tutta una serie di suggestioni su di un tentennante muretto a secco costruito provvisoriamente nello spazio de L'Ascensore: il mio script potremmo dire.
Come si vede bene dalle immagini ho poi smembrato il muro usando i mattoni per costruire una sorta di quinta teatrale. Porte chiuse, e dietro gli oggetti che aspettano come di uscire per fare la loro parte.
La bocca arsa mi risuonava da giorni, faceva parte del testo sul muro. Sono arrivato alla conclusione che la bocca arsa è una condizione, uno stato che rimanda a scene diverse. Alcune innocenti.
Più che la poesia mi piace sapere che ho uno sguardo poetico. Io ho inteso sempre il lavoro dell’artista come un lavoro poetico più che di ricerca. (L’idea di ricerca ad esempio mi rimane un po’ stretta; meglio perdere no?)
Leggo pochissime poesie ma ho un gusto per la parola, mi piace sceglierne bene gli accostamenti, vedere dove possono portarmi. Voglio essere chiaro, io chiamo parole anche i singoli oggetti come la conga o il dipinto poiché alla base sono un artista visivo, non perdo il mio ruolo ma verifico le mie influenze.
Ho ad esempio motivato questo mio gusto per la parola come conseguenza dell’essere nato in Sicilia, terra di letterati.
Per quanto riguarda il tempo sono sempre stato colpito da quello che si chiama "il tempo dell’occasione” il celebre Kairos che si differenzia dal normale scorrere del tempo - il Kronos

GB: Drawing stage / Disegni Palco-  this expression of yours has always made me think of a poetic interpretation of the need for physical and mental space, typical of the artist in his research. Having presented an installation work that is part of your Drawing Stage series at L’Ascensore in Palermo, I somehow found it to be an exhibition of synthesis of your project that is still going on. In fact, L’Ascensore is a place dedicated to young artists, national and international, called to present a work and to experience site specific work. Conceived in 2015 by the founder Alberto Laganà, L’Ascensore has been directed by the artistic duo Genuardi / Ruta since 2017, with whom a collaborative relationship was born, immersed itself in the city of Palermo. Immersion in the city in some way characterised the genesis of your work, given that in occasion of the exhibition you decided to stay for a long period in residence. I would say: how many transformations! Your time spent in Palermo has transformed the work, to include local material such as tuff, a painting and a conga because they are familiar objects, and even a musician, the Palermo percussionist Sergio "Guna" Cammalleri, known for his way of interpreting rhythm in a visionary way, a fusion between jazz and Latin sounds. The D / S therefore include elements such as "simple figures", objects that, as in a concert of materials, become a "complex composition" for the staging.
Thus the space of L’Ascensore has become a stage and you a director,  the objects are actors as a reflection of a motionless landscape.
It seems to me that the work has also developed through the encounter with the place and the exploration of your Sicilian origins, making you questioning things and creating novelty.

DMM: When you invited me to participate in an exhibition I thought that extending my stay in Sicily a little would allow me to tackle a new work or create a period of reflection, preferably unrelated from the work I was doing at that time, not out of a form of fatigue but out of a different desire for meditation.
Afterwards several things happened, the first is that Alberto Laganà welcomed my desire with enthusiasm and spirit, hosting me for a longer period than usual; second then, as soon as I landed in Palermo and arrived at my destination, I was welcomed by the Geruardi / Ruta who, during my stay, helped to make most of at first a simple exhibition, and also a complex, happy experience.
The Drawing / stage is a project that was born by chance years ago from the desire to give a home to everything that was confused or overlapped in me. With the ‘disegno palco’, on the other hand, the elements are juxtaposed, in what we can call a composition.
In this case, I decide to start my work from a script, a form of canvas of suggestions, short scenes inspired by looking around me. For example tuff - omnipresent in the Sicilian landscape and a conga - a familiar instrument and a painting.
The choice of the conga is related to one of my landscapes in fact this was built in the Amazon jungle by my father in '79 and subsequently painted in Cuzco by his own hands, an object present since my birth in my house in Sicily; as well as the painting, the work of a talented Peruvian painter: Elena Candiotte, from my home on the island.
The motivation for choosing these "characters" probably comes from the familiarity I feel with these objects, a confidence that allows me to manage their visual presence. In addition, both are objects that bear witness to a capacity, one pictorial and the other musical, both foreign to me but from which I suffer a great fascination.
They are "happy incapacities" that allow me to focus on the only thing I'm looking for from the objects and materials I use: their scenic strength together, inside the ‘disegno palco’.
For the first time in D/S I felt the need to activate a mechanism that otherwise would have been immobile. Showing an active image, one of the suggestions for D/S, a couple of lines of the script, so to say. I always think that part is a secret to keep exclusively for me but in the design process also done with you, the curator of the exhibition, I got convinced that it would have been a good experience to activate the D/S - so I got in touch with Sergio “Guna” Cammelleri, visionary and capable percussionist I’ve trusted to design of the performance which he interpreted better that I could hope for. My only choice is its position inside the stage. A little hidden like everything else.
I think the peculiarity of the ‘disegni palco’ is a little bit the fact that they leave an opening in front of me, something new, or maybe they put in their place the words that I had previously mixed up. Sounds like a paradox seeing how I intervened on the tuff. Don’t you think?

GB: Yes, because in each brick of tuff you have engraved apparently confused words, but extrapolated from a larger and whole text coming from a wall dismembered at a later time. The two tuff structures surround the showcase as if to create the edges of a curtain open to the scene; they are an echo of the architectural views that characterise via Principe di San Giuseppe.
And then there is the title La Bocca Arsa ("The burnt mouth") which somehow is part of the staging, becoming itself an item that participates in the complex structure of the work. These are words precipitated into the D / S from your poetic text. Yes, because poetry is your cipher. In your work, Charles Bukowski's words “poetry says too much in a very short time” come to mind more than ever. How important are poetry and time in your work? Are they both some kind of measure?

DMM: In fact, I have transcribed a whole series of suggestions in the wavering temporary drywall built in L’Ascensore: my script, we could say.

GB: Yes, because in each brick of tuff you have engraved apparently confused words, but extrapolated from a larger and whole text deriving from a wall dismembered at a later time. The two tuff structures surround the showcase as if to create the edges of a curtain open to the scene; they are an echo of the architectural views that characterize via Principe di San Giuseppe.
And then there is the title "The burnt mouth" which somehow becomes part of the staging, becomes itself a "figure" that participates in the complex structure of the work. These are words precipitated into the D / S from your poetic text. Yes, because poetry is your cipher. In your work, Charles Bukowski's words “poetry says too much in a very short time” come to mind more than ever. How important is poetry and time in your work? Are they both measures? 

DMM: In fact, I have transcribed a whole series of suggestions on a wavering dry stone wall built temporarily in the space of L'Asclevore: my script we could say.
As you can see from the images I then dismembered the wall using the bricks to build a sort of theatrical backdrop. With closed doors, and behind, the objects waiting to come out to do their part.
My burnt mouth had been ringing for days, it was part of the text on the wall. I came to the conclusion that the burnt mouth is a condition, a state that refers to different scenes, some of them really innocent.
More than poetry itself I like to know that I have a poetic gaze. I have always understood the artist's work as a poetic work rather than research. (The idea of research, for example, remains a bit narrow for me; better to lose it, right?)
I read very few poems but I have a taste for words, I like to choose their combinations well, to see where they can lead me. I want to be clear, I also call individual objects such as the conga or the painting ‘words’ because I am a visual artist, I do not lose my role but I verify my influences.
For example, I motivated my taste for words as a consequence of being born in Sicily, a land of writers.
As far as time is concerned, I have always been struck by what is called "the time of occasion" the famous Kairos which differs from the normal flow of time - the Kronos.
In short, Kairos is a qualitative form of time and not a quantitative one. A measure without a centimetre, the one I prefer.

Drawing stage /  La bocca arsa, Exhibition views, 2018
Photo © Filippo M. Nicoletti. Courtesy L'Ascensore.